Hemos estado creando arte desde que los humanos hemos podido usar nuestras manos. Desde las primeras pinturas rupestres hasta el techo de la Capilla Sixtina, la expresión artística humana puede decirnos mucho sobre la vida de las personas que la crearon. Para comprender completamente el significado cultural, social e histórico de las diferentes obras de arte, debe comprender la línea de tiempo aproximada de la historia del arte. Este artículo describe varios períodos importantes de la creación artística y su trasfondo histórico.
Tabla de Contenido
- 1 Era del arte: ¿Por dónde empezar?
- 2 Breve Cronología de Periodos Artísticos
- 3 Una cronología completa de los movimientos artísticos
- 3.1 Período romano (1000-1300): comunicación de información a través del arte
- 3.2 La Edad Gótica (1100-1500): Libertad y Miedo
- 3.3 El Renacimiento (1420-1520): el despertar de una era del arte que en realidad nunca existió
- 3.4 Manierismo (1520-1600): una ventana a un futuro kitsch
- 3.5 El período barroco (1590-1760): la celebración del poder y el engaño del ojo
- 3.6 Período rococó (1725-1780): ligero y aireado, fantasía francesa
- 3.7 Clasicismo (1770-1840): un retorno a la época clásica
- 3.8 Romanticismo (1790-1850): la seriedad que lo rompe todo
- 3.9 Realismo (1850-1925): objetividad y subjetividad
- 3.10 Impresionismo (1850-1895): anunciando la era del arte moderno
- 3.11 Simbolismo (1890-1920): siempre hay más de lo que parece
- 3.12 Art Nouveau (1890-1910): Oro puro de Gustav Klimt
- 3.13 Expresionismo (1890-1914): trayendo una dimensión política al debate
- 3.14 Cubismo (1906-1914): desmontaje y montaje
- 3.15 Futurismo (1909-1945): el anarquismo en el arte
- 3.16 Dadaísmo (1912-1920): La vida es la realidad real del absurdo
- 3.17 Surrealismo (1920-1930): las cosas se pusieron más raras
- 3.18 La nueva objetividad (1925-1965): fría y técnica
- 3.19 Expresionismo abstracto (1948-1962): Lejos de Europa
- 3.20 Pop Art (1955-1969): el arte lo es todo
- 3.21 Neoexpresionismo (1980-1989): Arte Moderno
Era del arte: ¿Por dónde empezar?
Desde que la humanidad tiene conciencia de sí misma, ha estado creando arte para representarse a sí misma. Las primeras pinturas rupestres conocidas se crearon hace unos 40.000 años. Encontramos pinturas y dibujos de la actividad humana paleolítica bajo rocas y en cuevas. Realmente no sabemos por qué estos primeros humanos comenzaron a hacer arte. Tal vez dibujar sea una forma de registrar sus experiencias, contar historias a sus hijos o transmitir sabiduría de generación en generación.
Si bien tenemos buenos ejemplos de estas representaciones artísticas antiguas, la historia oficial de los períodos del arte comienza solo con la época romana. La cronología oficial de la era del arte excluye pinturas rupestres, esculturas y otras obras de arte de la Edad de Piedra, o las finas pinturas murales producidas en Egipto y Creta alrededor del 2000 a. La razón de esta decisión fue que estas primeras expresiones artísticas estaban asociadas a un espacio geográfico relativamente pequeño. Por otro lado, las eras del arte oficial que vamos a discutir hoy cubren muchos países, generalmente toda Europa y, a veces, América del Norte y del Sur.
A pesar de la falta de reconocimiento oficial, estos primeros ejemplos de la capacidad artística humana plantean muchas preguntas interesantes. ¿Por qué los animales representados en las pinturas rupestres son más vivos y realistas que los representados en generaciones posteriores?
Este artículo espera brindarle una idea de los estilos artísticos cambiantes de la mente creativa humana a medida que exploramos las complejidades de los diferentes períodos artísticos.
Breve Cronología de Periodos Artísticos
Como en muchas áreas de la historia humana, es imposible delinear con precisión diferentes períodos del arte. Las fechas que se muestran entre paréntesis a continuación son aproximaciones basadas en el desarrollo de cada iniciativa en diferentes países. Muchos períodos del arte se superponen significativamente, y algunos períodos recientes ocurren simultáneamente. Algunas épocas duran miles de años, mientras que otras duran menos de una década. El arte es un proceso constante de descubrimiento, con nuevos períodos que se desarrollan a partir de los existentes.
| Periodos del Arte | Año |
|---|---|
| Románico | (1000 – 1150) |
| Gótico | (1140 – 1600) |
| Renacimiento | (1495 – 1527) |
| Manierismo | (1520 – 1600) |
| Barroco | (1600 – 1725) |
| Rococó | (1720 – 1760) |
| Neoclasicismo | (1770 – 1840) |
| Romanticismo | (1800 – 1850) |
| Realismo | (1840 – 1870) |
| Prerrafaelismo | (1848 – 1854) |
| Impresionismo | (1870 – 1900) |
| Naturalismo | (1880 – 1900) |
| Postimpresionismo | (1880 – 1920) |
| Simbolismo | (1880 – 1910) |
| Expresionismo | (1890 – 1939) |
| Art Nouveau | (1895 – 1915) |
| Cubismo | (1905 – 1939) |
| Futurismo | (1909 – 1918) |
| Dadaísmo | (1912 – 1923) |
| Nueva objetividad | (1918 – 1933) |
| Precisionismo | (1920 – 1950) |
| Art Déco | (1920 – 1935) |
| Bauhaus | (1920 – 1925) |
| Surrealismo | (1924 – 1945) |
| Expresionismo Abstracto | (1945 – 1960) |
| Pop-Art / Op Art | (1956 – 1969) |
| Arte Povera | (1960 – 1969) |
| Minimalismo | (1960 – 1975) |
| Fotorrealismo | (1968 – Presente) |
| Arte contemporáneo | (1978 – Presente) |
Puede parecer extraño que nuestro relato de la crónica del período artístico finalice hace 30 años. El concepto de una era artística parece insuficiente para captar la variedad de estilos artísticos que se han desarrollado desde principios de la década de 2000. Algunos historiadores del arte creen que la idea tradicional de pintar está muerta en nuestra era de vida acelerada. Nosotros no tomamos esa posición. En cambio, continuamos compartiendo nuestras experiencias humanas únicas a través del arte, como lo hicieron los hombres de las cavernas, fuera de nuestros sistemas modernos de clasificación.
Una cronología completa de los movimientos artísticos
Es hora de profundizar en el contexto social, cultural e histórico de cada una de las diferentes eras del arte que hemos cubierto anteriormente. Verás cuántas temporadas se vieron afectadas por las anteriores. El arte, como la conciencia humana, está en constante evolución. También es importante tener en cuenta que esta línea de tiempo del arte es la historia del arte occidental y principalmente europeo.
Período romano (1000-1300): comunicación de información a través del arte
Los historiadores del arte generalmente consideran la era del arte románico como el comienzo de la crónica de la historia del arte. El arte románico se desarrolló durante el surgimiento del cristianismo. 1000 EC Durante este período, solo una pequeña fracción de europeos sabía leer y escribir. Los pastores de las iglesias cristianas suelen formar parte de esta minoría, y para difundir el mensaje de la Biblia necesitan otro enfoque.
Objetos cristianos, historias, deidades, santos y rituales fueron los temas exclusivos de la mayoría de las pinturas románicas. Para poder enseñar los valores y creencias de la Iglesia cristiana a las masas, la pintura románica tenía que ser fácil de leer.
La obra de arte románica era, por lo tanto, simple, con contornos fuertes y áreas fuertes de color. La pintura románica carecía de profundidad de perspectiva y las imágenes rara vez eran escenas naturales. La pintura románica puede tomar muchas formas diferentes, incluidos frescos, mosaicos, dibujos y caligrafía.
Debido a las inclinaciones cristianas de la pintura románica, casi siempre fueron figurativos. La importancia relativa de los números en la tabla se indica por magnitud, y los números más significativos aparecen más grandes. Puedes ver que las caras a menudo están distorsionadas y las historias representadas en estas pinturas a menudo tienen mucho valor emocional. Las pinturas románicas a menudo presentaban criaturas mitológicas como dragones y ángeles, y casi siempre se exhibían en las iglesias.
En el nivel más básico, la pintura del período romano pretendía comunicar las palabras de la Biblia y el cristianismo. Esta era artística toma su nombre de los arcos de medio punto utilizados en la arquitectura romana, que a menudo se encontraban en las iglesias de esa época.
La Edad Gótica (1100-1500): Libertad y Miedo
Uno de los períodos más famosos, el arte gótico se originó durante el período romano en Francia como expresión de dos sentimientos opuestos de la época. Por un lado, se experimentan y celebran nuevos niveles de libertad intelectual y comprensión religiosa. Por otro lado, a la gente le preocupa que se acerque el fin del mundo. Podemos ver claramente la expresión de estas dos tensiones opuestas en el arte del período gótico.
Como en la época romana, el cristianismo estuvo en el centro de la tensión en la época gótica. Con el advenimiento de la libertad de pensamiento y la oposición de muchos a la conformidad, los temas de las pinturas se diversificaron. La fortaleza de la iglesia comenzó a desmoronarse.
Las pinturas góticas representan escenas de la vida real, como el trabajo en el campo y la caza. A medida que el enfoque cambia a las complejidades de lo que significa ser humano, el enfoque se aleja de los seres divinos y los seres místicos.
Durante el período gótico, la figura humana recibió más atención. Los artistas góticos crearon rostros humanos más realistas a medida que se volvían más personales, menos bidimensionales y menos sin vida. Se cree que el desarrollo de una perspectiva tridimensional facilitó este cambio. Los pintores también prestaron más atención a las cosas de valor personal, como la ropa, que pintaron de forma realista con hermosos pliegues.
Muchos historiadores creen que la diversidad de temas artísticos durante el período gótico se debió en parte al aumento del espacio pictórico en las iglesias. Las iglesias góticas eran más espaciosas que las del período romano, lo que se cree que representa una mayor sensación de libertad en ese momento.
Con la nueva libertad de expresión artística viene una profunda sensación de temor de que el fin del mundo sea inminente. Se ha sugerido que esto estuvo acompañado por una disminución gradual de la fe dentro de la iglesia, lo que a su vez puede haber estimulado la expansión del arte fuera de la iglesia. De hecho, al final del período gótico, las obras de Hieronymus von Bosch, Breughel, etc. no podían colocarse en las iglesias.
No sabemos cuántos artistas individuales pintaron en la época romana, porque el arte no es quién lo pintó, sino el mensaje que trae. El aislamiento de la Iglesia se refleja así también en el gran aumento del número de artistas famosos del período gótico, entre ellos Giotto di Bondone. Las escuelas de arte comenzaron a aparecer en Francia, Italia, Alemania, los Países Bajos y otras partes de Europa.
El Renacimiento (1420-1520): el despertar de una era del arte que en realidad nunca existió
El Renacimiento es quizás uno de los períodos más famosos, con artistas como Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. La era siguió inspirándose en el ser humano individual e influenciada por el arte y la filosofía de los antiguos romanos y griegos. El Renacimiento puede considerarse un renacimiento cultural.
Parte de este renacimiento cultural es un enfoque renovado en el mundo natural y real en el que vive la gente. La perspectiva tridimensional se volvió aún más importante para el arte del Renacimiento, como se ve en el David de Miguel Ángel. La estatua recuerda el trabajo de los antiguos griegos en el sentido de que fue creada conscientemente para ser vista desde todos los ángulos. Las estatuas de las dos primeras eras son bidimensionales y solo se pueden ver de frente.
La misma perspectiva tridimensional también aparece en las pinturas del Renacimiento. La pintura mural, inventada hace unos 3000 años, fue revivida por los pintores del Renacimiento. Las escenas se vuelven más complejas y los personajes tienen más matices. Los artistas del Renacimiento pintaron cuerpos y rostros humanos tridimensionales, con un gran énfasis en el realismo. Las pinturas utilizadas durante el Renacimiento también representaron una transición de las pinturas al temple a las pinturas al óleo. El período del Renacimiento se considera generalmente como el comienzo de la gran pintura de paisajes holandesa.
Manierismo (1520-1600): una ventana a un futuro kitsch
Por supuesto, esta columna es en parte irónica. No todo el arte producido en esta era era lo que hoy llamaríamos kitsch. Lo que hoy llamamos kitsch suele ser artificial, barato y sin mucho gusto “clásico”. Por el contrario, la razón por la que llamamos kitsch al arte de este período es que se caracteriza por un exceso relativo. Al desarrollar nuevas libertades de expresión humana durante el Renacimiento, los artistas comenzaron a explorar sus propios estilos personales únicos o modos de arte.
De hecho, el propio Miguel Ángel no estuvo exento de los lujos característicos de la época. Algunos historiadores del arte no consideran que algunas de sus pinturas posteriores sean obras del Renacimiento. Las expresiones de las emociones y los gestos humanos, incluso la ropa, se exageraron deliberadamente en la pintura manierista.
La pequeña curva en S del cuerpo humano, característica del estilo renacentista, se convirtió en una curvatura antinatural del cuerpo. Fue el primer estilo europeo en atraer a artistas de toda Europa a su lugar de nacimiento, Italia.
El período barroco (1590-1760): la celebración del poder y el engaño del ojo
En la época barroca continuó la evolución artística de cantar la vida de las personas con el poder divino. Reyes, príncipes e incluso papas comenzaron a preferir ver su propio poder y prestigio demostrado por el arte en lugar del poder de Dios. La exageración extrema del manierismo continuó en el período barroco, y las escenas de las pinturas se volvieron cada vez más poco realistas y pomposas.
Las pinturas barrocas a menudo muestran escenas de reyes ascendiendo al cielo, mezclándose con ángeles, acercándose a la divinidad y el poder de Dios. Aquí podemos ver realmente la evolución de la complejidad humana, y aunque el tema no se despoja por completo del simbolismo religioso, lo humano se convierte cada vez más en la fuerza central de la composición.
Los nuevos materiales que indicaban riqueza y estatus, como el oro y el mármol, se convirtieron en materiales populares para tallar. Los opuestos de colores claros y oscuros, cálidos y fríos, y los símbolos del bien y del mal se enfatizan más allá de su ocurrencia natural. El número de universidades de arte continúa creciendo a medida que el arte se convierte en un medio para mostrar su riqueza, poder y estatus.
Período rococó (1725-1780): ligero y aireado, fantasía francesa
Las pinturas del período rococó eran típicas de la aristocracia francesa en ese momento. El nombre proviene de la palabra francesa rocaille, que significa “concha”. Las formas tridimensionales características del período barroco se suavizan en luz, aire y deseo. Las pinturas de esta época ya no son vigorosas, sino ligeras y juguetonas.
Los colores se vuelven más brillantes y casi transparentes en algunos casos. Gran parte de las obras de arte de este período descuidan los temas religiosos, aunque algunos artistas, como Tiepolo, crearon frescos en muchas iglesias.
Al igual que la actitud de la nobleza francesa de la época, el arte del período rococó estaba completamente divorciado de la realidad social. El romance del pastor se convirtió en el tema de este período, representando una vida alegre y despreocupada sin las dificultades económicas o sociales.
Clasicismo (1770-1840): un retorno a la época clásica
Al igual que la era rococó, el clasicismo comenzó en Francia alrededor de 1770. Sin embargo, a diferencia de la era rococó, el taxismo volvió a estilos de expresión artística más antiguos y serios. Al igual que el Renacimiento, Classisim se inspiró en el arte clásico romano y griego.
El arte creado durante la era clasicista volvió a las formas estrictas, los colores bidimensionales y las figuras humanas. El tono de estas pinturas es innegablemente austero. Los colores han perdido su significado simbólico. El arte producido durante este período se utiliza internacionalmente para inculcar sentimientos patrióticos en la gente de cada país. Algunas partes del clasicismo incluyen Louis-Sieze, Empire y Biedermeier.
Romanticismo (1790-1850): la seriedad que lo rompe todo
Como puede verse en las fechas, esta era del arte se produjo casi simultáneamente con el clasicismo. El romanticismo a menudo se ve como una respuesta emocional a la naturaleza dura del clasicismo. En comparación con la naturaleza austera y realista de la época clásica, las pinturas de la época romántica eran más sensuales.
Exploración invisible. Las emociones y el subconsciente se enfocan. En ese momento, la gente comenzó a caminar en un intento de explorar el mundo natural. Sin embargo, lo que quieren experimentar no es la realidad real del mundo físico, sino lo que les hace sentir.
El arte durante el período romántico no tenía un estilo específico o bien definido. Los pintores ingleses y franceses tendían a centrarse en la luz y la sombra, mientras que los pintores alemanes tendían a producir un arte con un pensamiento más serio. Los pintores románticos a menudo fueron criticados e incluso ridiculizados por sus interpretaciones del mundo que los rodeaba.
Realismo (1850-1925): objetividad y subjetividad
Así como la era romántica fue un movimiento reaccionario al período clásico anterior, el realismo fue una reacción al romanticismo. En marcado contraste con el contenido hermoso y profundamente emocional de las pinturas románticas, los artistas realistas presentaban simultáneamente el bien y la belleza, la fealdad y el mal. Los pintores realistas representan la realidad del mundo sin sombras.
Estos artistas intentan mostrar el mundo real, las personas, la naturaleza y los animales. El punto es, como dijo Gustave Courbet, “la obligación del arte con la verdad”.
Al igual que el romanticismo, el realismo no era popular entre todos. Las pinturas no son particularmente agradables a la vista, y algunos críticos comentan que, a pesar del supuesto realismo del artista, las escenas de amor de alguna manera carecen de erotismo real. Goethe criticó el realismo diciendo que el arte debería ser ideal, no realista. Schiele también llamó al realismo “malvado”, refiriéndose a la brutalidad de muchas de las pinturas representadas.
Impresionismo (1850-1895): anunciando la era del arte moderno
Los historiadores a menudo describen el movimiento impresionista como el comienzo de la era moderna. Se dice que el arte impresionista cerró el libro sobre la música clásica y otras formas de arte clásicas. El impresionismo es también quizás uno de los períodos artísticos más conocidos después del cubismo. El impresionismo, junto con artistas como Claude Monet y Vincent van Gogh, se alejó de las pinceladas fluidas y las áreas monocromáticas de muchos períodos artísticos anteriores.
Al principio, el término impresionismo parecía ser una palabra de moda en el mundo del arte, y los críticos argumentaban que estos artistas no pintaban con esta técnica, sino que simplemente aplicaban pintura al lienzo. Las pinceladas son, en efecto, muy diferentes a las de sus predecesores, y en ocasiones se vuelven violentas. Distintas formas y líneas desaparecen en un torbellino de colores. Se recopilaron puntos individuales de colores completamente nuevos, especialmente en varios puntillismos impresionistas. Los temas de las pinturas impresionistas a menudo solo eran reconocibles desde la distancia.
Un cambio importante que se produjo durante la era impresionista fue que la pintura comenzó a hacerse “al aire libre”, o al aire libre. La capacidad de los artistas impresionistas para capturar los colores complejos y siempre cambiantes de la naturaleza fue en gran parte el resultado de este cambio.
Los artistas impresionistas también comenzaron a abandonar su deseo de dar conferencias y enseñar, prefiriendo crear arte por el arte. Las galerías y exposiciones internacionales son cada vez más importantes.
Simbolismo (1890-1920): siempre hay más de lo que parece
Durante este período, la era del simbolismo comenzó a tener lugar en Francia. Los artistas se preocupan por expresar emociones y pensamientos a través de objetos. Los temas favoritos del movimiento simbolista fueron la muerte, la enfermedad, el pecado y la pasión. Estas formas son en su mayoría articuladas, lo que los historiadores del arte creen que anuncia la era del Art Nouveau.
Art Nouveau (1890-1910): Oro puro de Gustav Klimt
Aunque de ninguna manera el artista más importante del Art Nouveau, Gustav Klimt fue uno de los más conocidos. Su estilo resume a la perfección las características estilísticas del Art Nouveau, curvas suaves, abundancia de flores y figuras humanas. En muchos países este estilo se conoce como el estilo de Secesión.
El arte producido durante el período Art Nouveau implicó una gran simetría y se caracterizó por la alegría y la juventud. El Art Nouveau tuvo mucho contenido político, aunque muchos críticos lo ignoraron y lo achacaron a aspectos decorativos. A través del arte del período Art Nouveau, los artistas buscaron devolver la naturaleza a la ciudad industrial.
Expresionismo (1890-1914): trayendo una dimensión política al debate
En la era del expresionismo artístico, asistimos nuevamente a un resurgimiento de la importancia de expresar sentimientos subjetivos. A los artistas de este movimiento no les interesaba el naturalismo ni la apariencia de las cosas. Esto dio como resultado unas pinturas expresionistas con cierta agresividad, a menudo arcaicas y un poco salvajes.
El expresionismo se originó en Alemania y pretendía contrastar con el impresionismo. La intensidad de la pintura expresionista en torno al comienzo de la Primera Guerra Mundial era inquietante. El expresionismo pretendía criticar la autoridad y el orden social, difundiendo estas ideas políticas a través de la pintura. El arte comenzó a volverse político.
Cubismo (1906-1914): desmontaje y montaje
Comenzando con dos artistas, Pablo Picasso y Georges Braque, el movimiento cubista tenía que ver con la fragmentación, las formas geométricas y las múltiples perspectivas. El plano dimensional de los objetos cotidianos se descompone en diferentes partes geométricas y se reconstruye de tal manera que el objeto se presenta desde múltiples lados simultáneamente.
El cubismo rechazó todas las reglas de la pintura occidental tradicional y tuvo una fuerte influencia en los estilos artísticos que le siguieron.
Futurismo (1909-1945): el anarquismo en el arte
El futurismo fue menos un estilo artístico que un movimiento político inspirado en el arte. Fundada por el manifiesto futurista de Tommaso Marinetti que rechazaba la organización social y la moralidad cristiana, la era futurista estuvo llena de caos, hostilidad, agresión e ira. Aunque el propio Marinetti no era pintor, la pintura se convirtió en la forma de arte más importante del movimiento futurista.
Estos artistas rechazaron categóricamente las reglas de la pintura clásica, considerando sospechoso y peligroso todo lo que se transmite de generación en generación (creencia, tradición, religión). La naturaleza radical del movimiento futurista llevó a muchos a considerarlo muy cercano al fascismo.
Dadaísmo (1912-1920): La vida es la realidad real del absurdo
Niñera significa muchas cosas y nada. El autor Hugo Bauer descubrió que esta pequeña palabra tiene muchos significados diferentes en diferentes idiomas y, al mismo tiempo, como palabra, no significa absolutamente nada. Basado en la noción de lo absurdo y lo provocativo, el movimiento Dada fue considerado no solo un movimiento artístico, sino también un movimiento contra la guerra.
El absurdo de las normas, reglas, tradiciones y valores existentes fue desafiado por el movimiento dadaísta. Los movimientos artísticos abarcan una variedad de formas de arte, incluida la escritura, la poesía, la danza y las artes escénicas. Parte del movimiento cuestionaba lo que podría llamarse “arte”.
El dadaísmo representó el comienzo del arte de acción, en el que la pintura no era simplemente una representación de la realidad, sino una amalgama de partes sociales, culturales y subjetivas de los seres humanos.
Surrealismo (1920-1930): las cosas se pusieron más raras
Como si la naturaleza absolutamente absurda del movimiento dadaísta no fuera lo suficientemente exagerada, los surrealistas vieron el mundo de los sueños como la fuente de toda verdad. Uno de los artistas surrealistas más famosos es Salvador Dalí, a quien debes conocer por su pintura Melting Watch (1954).
El surrealismo era básicamente psicoanalítico y muchos artistas surrealistas pintaban directamente de sus sueños. A veces tratando con conceptos perturbadores, deseos ocultos y tabúes, el surrealismo fue una crítica directa de las ideas y creencias arraigadas de la burguesía. Como puedes imaginar, este estilo artístico no fue popular en los primeros días, pero ha tenido un gran impacto en el mundo del arte moderno.
La nueva objetividad (1925-1965): fría y técnica
Mientras que los surrealistas buscaban escapar del mundo de los objetos físicos, concretos y visibles, el movimiento neoobjetivista recurrió a estas ideas. Muchos de los temas del Nuevo Arte Objetivo son la crítica social. La agitación de la guerra dejó a muchos buscando algún tipo de orden que mantener, evidente en el arte de la Nueva Objetividad.
Las imágenes retratadas en Nueva objetividad son a menudo sombrías, indiferentes y técnicas, y algunos de los temas favoritos son las radios y las bombillas. Como muchos movimientos de arte contemporáneo, el movimiento del Nuevo Objetivismo tiene muchas ramificaciones diferentes.
Expresionismo abstracto (1948-1962): Lejos de Europa
Se dice que el expresionismo abstracto es el primer movimiento artístico que comenzó fuera de Europa. El expresionismo abstracto de América del Norte se centró en la pintura en color y la pintura de acción. En lugar de usar lienzos y pinceles, se vierten cubos de pintura sobre el piso y los artistas usan sus dedos para crear imágenes.
Con artistas tan conocidos como Marc Tobey y Jackson Pollock, el movimiento artístico fue diferente a todos los anteriores. La aplicación de pintura a veces es tan espesa que el trabajo terminado adquiere una forma diferente a cualquier otra pintura anterior. El expresionismo abstracto se extendió por toda Europa. Como con cualquier arte, siempre hay críticos, y los conservadores estadounidenses durante la Guerra Fría lo llamaron “antiestadounidense”.
Pop Art (1955-1969): el arte lo es todo
Para los artistas del Pop Art, todo en el mundo es arte. Anuncios, latas, pasta de dientes, artículos de tocador, son obras de arte. Desarrollado simultáneamente en los Estados Unidos y Gran Bretaña, el Pop Art se caracterizó por bloques de colores uniformes y líneas y contornos claros. La pintura y las artes gráficas se vieron influenciadas por el fotorrealismo y los grabados en serie. Uno de los artistas pop británicos más famosos fue David Hockney, aunque solo algunas de sus pinturas estaban en el movimiento.
Neoexpresionismo (1980-1989): Arte Moderno
A partir de la década de 1980, surgió el neoexpresionismo con grandes pinturas figurativas. Berlín fue el foco de este nuevo movimiento, con diseños que a menudo representaban la vida urbana y de la gran ciudad. El nombre neoexpresionismo se derivó del fauvismo y, aunque los artistas de Berlín se disolvieron en 1989, algunos continuaron pintando con ese estilo en Nueva York.
El arte es una parte fundamental del ser humano. Muchos de los problemas y alegrías que encontramos solo pueden capturarse con precisión a través de la expresión artística. Esperamos que este breve resumen de una cronología de períodos artísticos le ayude a comprender mejor el contexto de algunas de las obras de arte más famosas producidas por la humanidad.
